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William-Adolphe Bouguereau | Pietà, 1876



Upon its exhibition at the Paris Salon of 1876, William Bouguereau's monumental Pietà received unanimous praise from critics for its sincere emotion and poignant devotion (Doucet, Les peintres français, Paris, n.d., p. 164).
More than a century later, the painting remains one of the most moving interpretations of, not only the Life of Christ, but of man's personal tragedy as well.
The immediate inspiration for Pietà came not from Bouguereau's devout Christianity, but from the painful loss of his eldest son Georges who died on July 19, 1875 at the age of sixteen.
After spending several months overwhelmed by grief, Bouguereau sought to lift his spirits by fully immersing himself in his art.


For several weeks, he considered compositions that would permit him the fullest expression of his feelings while simultaneously commemorating his son's life and passing.
His sketchbooks from this period show a flurry of excited and even angry passages, with dozens of drawings that illustrate his slow and deliberate plan to paint his version of a Pietà.
After what must have been an uninterrupted period of compulsive work, Bouguereau appears to have completed this magnum opus in only two months (M. Vachon, 'Avant le Salon', La France, March 20, 1876).
Rendered on a grand scale, Bouguereau's Pietà depicts its timeless subject with individualized figures who elicit an emotional response from the viewer.
Like the many angels who appear in images of the Lamentation throughout art history, Bouguereau's are demonstrative in their expressions of grief.
By presenting the angels surrounding Mary and Christ as distinct individuals, however, Bouguereau creates a particularly compelling image that serves to personalize the story of the Life of Christ. Similarly, Mary, with her arresting gaze, appears foremost as a devastated mother of a mortal son rather than the Holy Virgin.
The lifeless yet elegant body of Christ that she clutches in her arms shares many affinities with arguably the most famous Pietà in history-Michelangelo's sculptural version in Saint Peter's in Rome. In addition to the similar positioning of the torso and arms, in both works, Christ's head falls backwards, yet the viewer is still able to look into his face, allowing for a greater personal connection between the mortal and the divine.
Bouguereau may have seen Michelangelo's Pietà during his many years in Rome where he competed for and won the Prix de Rome in 1850.


By the 1870s, Bouguereau would have been able to study the famous sculpture in photographic reproductions as well, as affordable prints of well-known works of art were by then circulating widely throughout Europe (F. Wissman, Bouguereau, 1996, p. 74).
Indeed, a photograph of the artist in his studio shows a reproduction of Michelangelo's Pietà hanging on the wall behind him.
Bouguereau's dedication to a sharp-focused realism has led to the artist's enduring popularity and more recently to critical praise.
In Pietà, his "academic wizardry of drawing and perspective", as Robert Rosenblum termed it, is on full view. From the stunning foreshortening of the angel above to the gleaming gold bowl and vase below, Pietà is a tour-de-force of the artist's skill.
Indeed, such exquisite details led Rosenblum to exclaim, "So intensely material and gravity-bound are the sacred still-life objects in the foreground-one could prick oneself on this crown of thorns!" (R. Rosenblum, William-Adolphe Bouguereau, l'Art pompier, New York, 1991, p. 9).
Bouguereau's Pietà displays at once grandeur, beauty and a noble restraint from the maudlin emotionalism seen in many works by lesser hands. A tribute to passionate parental love overwhelmed by despair, Pietà nevertheless retains its gravity and dignity thereby occupying a singular place in art history. | © Christie's




Alla sua esibizione al Salon di Parigi del 1876, la monumentale Pietà di William Bouguereau ricevette elogi unanimi dalla critica per la sua sincera emozione e commovente devozione (Doucet, Les peintres français, Paris, nd, p. 164).
Più di un secolo dopo, il dipinto rimane una delle interpretazioni più commoventi, non solo della vita di Cristo, ma anche della tragedia personale dell'uomo.
L'ispirazione immediata per Pietà non venne dal devoto cristianesimo di Bouguereau, ma dalla dolorosa perdita del figlio maggiore Georges, che morì il 19 luglio 1875 all'età di sedici anni.
Dopo aver trascorso diversi mesi sopraffatto dal dolore, Bouguereau cercò di sollevare il morale immergendosi completamente nella sua arte.
Per diverse settimane, ha preso in considerazione composizioni che gli avrebbero permesso la massima espressione dei suoi sentimenti mentre contemporaneamente commemorava la vita e la morte di suo figlio.
I suoi quaderni di questo periodo mostrano una raffica di passaggi eccitati e persino arrabbiati, con dozzine di disegni che illustrano il suo piano lento e deliberato per dipingere la sua versione di una Pietà.
Dopo quello che deve essere stato un periodo ininterrotto di lavoro compulsivo, Bouguereau sembra aver completato questo magnum opus in soli due mesi (M. Vachon, "Avant le Salon", La France,20 marzo 1876).
Reso su grande scala, la Pietà di Bouguereau raffigura il suo soggetto senza tempo con figure individualizzate che suscitano una risposta emotiva da parte dello spettatore. Come i molti angeli che compaiono nelle immagini del Lamento nella storia dell'arte, quelli di Bouguereau sono dimostrativi nelle loro espressioni di dolore.
Presentando gli angeli che circondano Maria e Cristo come individui distinti, tuttavia, Bouguereau crea un'immagine particolarmente avvincente che serve a personalizzare la storia della Vita di Cristo.


Allo stesso modo, Maria, con il suo sguardo di arresto, appare soprattutto come una madre devastata di un figlio mortale piuttosto che la Santa Vergine.
Il corpo esanime ma elegante di Cristo che stringe tra le braccia condivide molte affinità con probabilmente la Pietà più famosa della storia, la versione scultorea di Michelangelo in San Pietro a Roma.
Oltre al posizionamento simile di busto e braccia, in entrambe le opere, la testa di Cristo cade all'indietro, ma lo spettatore è ancora in grado di guardarsi in faccia, consentendo una maggiore connessione personale tra il mortale e il divino.
Bouguereau potrebbe aver visto la Pietà di Michelangelo durante i suoi molti anni a Roma, dove ha gareggiato e vinto il Prix de Rome nel 1850.
Entro il 1870, Bouguereau sarebbe stato in grado di studiare la famosa scultura anche in riproduzioni fotografiche, nonché stampe a prezzi accessibili di famose opere d'arte circolavano ampiamente in tutta Europa (F. Wissman, Bouguereau , 1996, p. 74).
In effetti, una fotografia dell'artista nel suo studio mostra una riproduzione della Pietà di Michelangelo appesa al muro dietro di lui.
La dedizione di Bouguereau a un realismo ben focalizzato ha portato alla popolarità duratura dell'artista e più recentemente a elogi critici.


In Pietà, la sua "magia accademica del disegno e della prospettiva", come la definiva Robert Rosenblum, è in piena vista.
Dallo straordinario scorcio dell'angelo in alto alla scintillante ciotola e vaso d'oro in basso, Pietà è un tour-de-force dell'abilità dell'artista.
In effetti, dettagli così raffinati hanno portato Rosenblum ad esclamare: "Così intensamente materiali e legati alla gravità sono gli oggetti sacri della natura morta in primo piano: uno potrebbe pungersi su questa corona di spine!" (R. Rosenblum, William-Adolphe Bouguereau, l'Art Pompier, New York, 1991, p. 9).
La Pietà di Bouguereau mostra allo stesso tempo grandiosità, bellezza e una nobile moderazione dall'emotivismo sdolcinato visto in molte opere da mani minori.
Un omaggio all'amore parentale appassionato sopraffatto dalla disperazione,tuttavia mantiene la sua gravità e dignità occupando così un posto singolare nella storia dell'arte. | © Christie's


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