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Jim Warren, 1949 | Pittore surrealista

Jim Warren nasce a Long Beach, in California ed attualmente vive a Clearwater, in Florida.
Jim Warren è uno degli artisti più versatili e di successo che vivono oggi.
Tradizionale, nel senso che usa oli su tela, ma qualsiasi cosa, da convenzionale, Jim crea ciò che sente e non conforme.
Predilige nelle sue opere temi ispirati alla natura.


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David Ligare, 1945

Nato a Oak Park, Illinois David Ligare è un pittore Americano contemporaneo. Ha ricevuto la sua formazione artistica presso l’Art Center College of Design di Los Angeles.
I suoi dipinti sono presenti nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York, nel Museo di Belle Arti Musei di San Francisco, al San Jose Museum of Art, al Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi di Firenze ed al Museo Thyssen-Bornemisza di Art di Madrid.
Il realismo contemporaneo è un approccio che utilizza la rappresentazione semplice, ma è diverso da fotorealismo, nel senso che non esagera e non è ironico in natura.
Dal 1978 si è concentrato sulla pittura di nature morte, paesaggi e figure che sono influenzati dall'epoca greco-romana.


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Yoshiro Tachibana / 橘与四郎


Yoshiro Tachibana (1941-2016) is an Japanese painter born in Sanda (Kobe), based in Spain (La Coruna).
He is the son of the painter Nakaba Tachibana (1902-2000).
Yoshiro began to study art in Tokyo in 1962 and became inspired by the work of Klee.
In 1969 he traveled to Spain and Germany.
He lived in Hamburg and Kiel until 1973 and then Moved to Norway.
In 1975 he decided to settle in a small fishing village, Muxia (La Coruña) and began exhibiting his work in various cities in Galicia.

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Charles Leroy-Saint-Aubert | Au dessus du Boulevard de Sebastopol, Paris

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Andrew Wyeth (1917-2009)

Wyeth was an american painter, primarily a realist painter, working predominantly in a Regionalist Style.
He was one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century.born in the small rural Pennsylvania town of Chadds Ford.
He was home schooled in many subjects, including art education. Known to shun traditional oils, Wyeth instead opted to work with watercolors, drybrush, a technique where watercolors are used but water is squeezed or otherwise removed from the brush, and egg tempera (a medium where egg yolks are used as a binding agent and mixed with pigment to make paint).
Perhaps Andrew Wyeth is famous not so much for the type of painter he was, but more the painter he wasn't, as his subjects and style also varied drastically from many of the abstract oil painters from that period.


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Theodore Robinson (1852-1896)


Theodore Robinson è stato un pittore statunitense, celebre per i suoi paesaggi impressionisti. Fu uno dei primi artisti americani a sposare interamente l'impressionismo verso la fine degli anni 1880.
Le sue frequentazioni di Claude Monet furono intense e determinanti.
Molte sue tele sono considerate capolavori dell'impressionismo americano.

Biografia

Theodore Robinson nacque in un piccolo borgo rurale nel Vermont, ma la sua famiglia, poco dopo la sua nascita, andò a stabilirsi a Evansville, nel Wisconsin. Per questo il giovane Theodore iniziò i suoi studi d'arte all'"Art Insitute of Chicago" nel 1869.
L'anno seguente soggiornò a Denver, nel Colorado, presso le Montagne Rocciose, per alleviare le sue crisi d'asma.
Nel 1874, trasferitosi a New York, frequentò sia la "National Academy of Desing" che la "Art Students League".

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Vincent Van Gogh | Drawings | Page 2


Generally overshadowed by the fame and familiarity of his paintings, Vincent van Gogh’s more than 1,100 drawings remain comparatively unknown, although they are among his most ingenious and striking creations. Van Gogh engaged drawing and painting in a rich dialogue, which enabled him to fully realize the creative potential of both means of expression.
Largely self-taught, Van Gogh believed that drawing was "the root of everything".
His reasons for drawing were numerous. At the outset of his career, he felt it necessary to master black and white before attempting to work in color. Thus, drawings formed an inextricable part of his development as a painter. There were periods when he wished to do nothing but draw.

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Camille Pissarro (1830-1903) | Quotes


"Non aver paura della natura: devi essere audace correndo il rischio di rimanere deluso e di commettere errori".
▻ "Don't be afraid in nature: one must be bold, at the risk of having been deceived and making mistakes".
"Dipingi il carattere essenziale delle cose".
▻ "Paint the essential character of things".
"E’ solo disegnando spesso, disegnando tutto, disegnando incessantemente, che un bel giorno scopri per tua grande sorpresa che hai realizzato qualcosa nel suo vero carattere".

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Van Gogh | First Steps, after Millet, 1890

Vincent van Gogh | First Steps, after Millet, 1890 | Metropolitan Museum of Art

Artist: Vincent van Gogh (1853-1890)
Date: 1890
Medium: Oil on canvas
Dimensions: 72.4 x 91.1 cm
Current location: Metropolitan Museum of Art

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Bernard Cathelin (1919-2004)


Bernard Cathelin è stato un pittore Francese nato a Parigi e membro della Scuola di Parigi che includeva Picasso, Chagall, Matisse, Dufy e molti altri tra cui Maurice Brianchon, insegnante di Cathelin presso l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs.
Il Musée de Valence gli ha dedicato una retrospettiva nell'estate del 1997.
Questa mostra, attirando visitatori locali e di tutto il mondo, ha stabilito un nuovo record di frequentazione per il museo. Nel 2000, lo Shanghai Art Museum in Cina organizzò una mostra retrospettiva che presenta 40 anni di opere di Bernard Cathelin.
Bernard Cathelin si è spento il 17 aprile 2004, ma in Francia gli sono sempre dedicate grandi mostre, mentre altre sono in preparazione in tutto il mondo.

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Van Gogh | The Potato Eaters / I mangiatori di patate, 1885


The Potato Eaters

Nuenen, April - May 1885 Vincent van Gogh (1853 - 1890)

oil on canvas, 82 cm x 114 cm
Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)
Van Gogh saw the Potato Eaters as a showpiece, for which he deliberately chose a difficult composition to prove he was on his way to becoming a good figure painter. The painting had to depict the harsh reality of country life, so he gave the peasants coarse faces and bony, working hands. He wanted to show in this way that they ‘have tilled the earth themselves with these hands they are putting in the dish ... that they have thus honestly earned their food’.

He painted the five figures in earth colours - ‘something like the colour of a really dusty potato, unpeeled of course’. The message of the painting was more important to Van Gogh than correct anatomy or technical perfection. He was very pleased with the result: yet his painting drew considerable criticism because its colours were so dark and the figures full of mistakes. Nowadays, the Potato Eaters is one of Van Gogh’s most famous works. | Van Gogh Museum, Amsterdam


I mangiatori di patate (olandese: De Aardappeleters) è un dipinto di Vincent van Gogh a olio su tela (82x114 cm), realizzato nell'aprile 1885. È conservato nel Museo Van Gogh di Amsterdam.

Si tratta del dipinto più importante del periodo olandese di Van Gogh, prima del suo trasferimento a Parigi. Lavorò su questa tela dal 13 aprile fino all'inizio di maggio, periodo in cui il pittore aveva quasi ultimato l'opera eccetto per alcuni cambiamenti apportati più tardi ma sempre nello stesso anno con un piccolo pennello.
La personalità di Van Gogh comincia ad emergere con le "opere clandestine" del periodo olandese, quando inizia ad impegnarsi su decine di studi su alcuni temi particolari, come i mangiatori di patate, il suo primo capolavoro.
Questo dipinto mostra, all'interno di una povera stanza, alcuni contadini che consumano il pasto serale servendosi da un unico piatto di patate, mentre una di loro sta versando il caffè. Van Gogh è molto legato a questo soggetto in quanto si sente come "uno di loro", anche i contadini come lui soffrono ed egli trova ingiusto il fatto che nonostante tutti i loro sforzi ed i loro sacrifici debbano vivere in modo così misero; viene sottolineata la continua fatica fisica di chi ha consumato, giorno dopo giorno, la propria vita nel lavoro dei campi: per questo motivo l'artista è come se volesse esaltare il cibo dei poveri.
Van Gogh stesso esprime un suo pensiero riguardo a questo quadro da lui così sentito: “Ho voluto, lavorando, far capire che questa povera gente, che alla luce di una lampada mangia patate servendosi dal piatto con le mani, ha zappato essa stessa la terra dove quelle patate sono cresciute; il quadro, dunque, evoca il lavoro manuale e lascia intendere che quei contadini hanno onestamente meritato di mangiare ciò che mangiano. Non vorrei assolutamente che tutti si limitassero a trovarlo bello o pregevole".
Alla resa oggettiva della realtà si sostituisce un'interpretazione di essa. La luce, provenendo dall'alto e colpendo perciò soltanto alcune parti, provoca contrasti chiaroscurali e accentua la caratterizzazione dei volti, delle mani, degli abiti. Singolare è la rappresentazione del volto e delle mani dipinti in modo caricaturale: con questo il pittore vuole esagerare e intensificare la realtà (la caricatura e la deformazione sono, infatti, un'esagerazione della realtà stessa, al fine di renderla più intensa). Il colore, che richiama le tecniche fiamminghe, è monocromatico; ciò fa sì che l'occhio non sia appagato ma percepisca la realtà attraverso l'interiorità di Van Gogh.
Da notare la struttura conica a base ellittica, ove i protagonisti formano l'ellisse e la ragazza di spalle al centro è sotto il punto luce, ovvero il vertice del cono.

Van Gogh prese per modelli dell'opera i membri della famiglia de Groot, contadini, ritraendoli più volte in vari studi a carboncino ed olio. Una di essi, Gordina de Groot (riconoscibile nella donna con la cuffia che gira le patate nel piatto), poco tempo l'esecuzione di quest'opera rimase incinta, e della paternità del nascituro venne "sospettato" il pittore; di conseguenza il prete cattolico proibì ai parrocchiani di posare ancora per Van Gogh, che fu costretto dopo qualche mese a lasciare Nuenen.
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Mario Puccini | Fanciullo



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Robert Armetta | Pittore realista classico

Robert Armetta è un pittore che ha studiato a lungo negli Stati Uniti, presso istituzioni come il Columbus College of Art and Design, la Pennsylvania Academy of Fine Art e il Water Street Atelier, ed in Italia, presso la Florence Academy of Art e la Angel Academy of Art.
Ha conseguito il suo M.F.A. presso la New York Academy of Art, dove si è laureato con lode nel 1998.
Ha esposto ampiamente, sia in mostre personali che collettive, negli Stati Uniti, in sedi tra cui la National Academy of Design, il Fort Wayne Museum of Art, il Susquehanna Museum of Art, Sotheby's, la State University di New York a Farmingdale, St. John's University, Messiah College, Arcadia Fine Art, John Pence Gallery, Century Gallery e Seraphin Gallery.


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Jose Miguel Roman Frances, 1950

Jose Miguel Roman Frances è nato ad Alcoy, Alicante, in Spagna. All'età di quattordici anni inizia a dipingere nella bottega di Gaspar Frances Rico. Rico è diventato più un amico che un insegnante e il suo lavoro ha influenzato la formazione artistica di Frances.
Il lavoro di Frances è caratterizzato dalla sua superba abilità nel disegno e dalla sensazione di luce che riesce a riflettere in tutto ciò che lo ispira.
I suoi dipinti sono impiegati generosamente, con densi accumuli nei raggruppamenti floreali e nei paesaggi che circondano le figure femminili che sono il nucleo e il punto focale da cui tutto il resto si irradia.


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Claude Monet | Sandviken nillage in the snow, 1895


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Claude Monet | The Rose Bush, 1925


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Sung Kim, 1940 | Paesaggista romantico

Nato a Seul, in Corea del Sud, Sung ha iniziato a mostrare il suo talento artistico già da bambino.
A partire dalla scuola elementare, Sung ha partecipato e vinto vari concorsi artistici mostrando la sua creatività e immaginazione artistica.
Ha deciso di perseguire la sua passione per l'arte e si è laureato con lode al Seorabol Art College di Seoul.
Successivamente apre il proprio studio e lavora come illustratore per diverse riviste e libri per bambini.


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Tracey Harris, 1970

Tracey Harris displays the breadth of her talent in a modern take on the traditional still life genre with a series of paintings depicting books with titles that extend to a broader cultural narrative.
Education: - 1995 Goldsmiths’ College, University of London, London England 1992 Kansas City Art Institute, Kansas City, Missouri.
Experience: Tracey Harris is an emerging artist specializing in contemporary representational painting. She has exhibited internationally and nationally winning numerous awards.
At a recent solo exhibition an art dealer, Timothy Ward, of Ward and Ward, wrote of Harris’ work: “Few modern paintings effectively pay homage to traditional aesthetic choices such as chiaroscuro.


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Vincent van Gogh | Pietà (after Delacroix), 1889


Pietà (after Delacroix)

Saint-Rémy-de-Provence, September 1889 Vincent van Gogh (1853 - 1890)
oil on canvas, 73 cm x 60.5 cm
Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

Van Gogh based his Pietà on a lithograph of a painting by Eugène Delacroix. This image of the Virgin Mary mourning the dead Christ is, however, more a variation on the original work than a copy. Van Gogh has taken Delacroix’s theme and composition and added his own colour and personal signature.
The work was prompted by an accident: ‘that lithograph of Delacroix, the Pietà, with other sheets had fallen into some oil and paint and got spoiled. I was sad about it – then in the meantime I occupied myself painting it, and you’ll see it one day’. The lithograph, complete with stain, has survived.
Van Gogh was living in the asylum in Saint-Rémy when he painted this work. It is quite possible that the sick and ‘misunderstood’ artist identified with the suffering Christ: ‘I am not indifferent, and in the very suffering religious thoughts sometimes console me a great deal’, he wrote to his brother Theo. The painter’s resemblance to the red-bearded Christ figure in this Pietà has not therefore gone unnoticed. | © Van Gogh Museum
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Mary Cassatt | Woman with a Pearl Necklace in a Loge, 1879


Woman with a Pearl Necklace in a Loge (or Lydia in a Loge) is an 1879 painting by American artist Mary Cassatt.
The Philadelphia Museum of Art acquired the painting in 1978 from the bequest of Charlotte Dorrance Wright.
The style in which it was painted and the depiction of shifting light and color was influenced by Impressionism.
This painting shows a view of the modern woman and is similar in style to Degas.

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Edgar Degas | Combing the Hair, 1896


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William-Adolphe Bouguereau | Temptation, 1880

Throughout the course of his life, French academic painter William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) executed 822 known finished paintings, although the whereabouts of many are still unknown.
During his life, he enjoyed significant popularity in France and the United States, was given numerous official honors, and received top prices for his work.
As the quintessential salon painter of his generation, he was reviled by the Impressionist avant-garde.
By the early twentieth century, Bouguereau and his art fell out of favor with the public, due in part to changing tastes.
In the 1980s, a revival of interest in figure painting led to a rediscovery of Bouguereau and his work.

William-Adolphe Bouguereau | Temptation, 1880 | Minneapolis Institute of Arts

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Angelica Kauffmann | Portrait Louisa Leveson Gower, 1767


Maria Anna Angelika Kauffmann RA (30 October 1741 – 5 November 1807), usually known in English as Angelica Kauffman, was a Swiss Neoclassical painter who had a successful career in London and Rome.
Remembered primarily as a history painter, Kauffmann was a skilled portraitist, landscape and decoration painter. She was, along with Mary Moser, one of the two female founding members of the Royal Academy in London in 1768

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Luigi Russolo | Profumo (Perfume), 1910


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Ewelina Ładzińska


Ewelina Ładzińska, pittrice Polacca, si è diplomata all'Accademia di Belle Arti. Le donne nel caso di Ładzińskiej sono l'epitome degli elementi, cercando di imbrigliare i colori apparentemente opposti sono inclusi nelle sorprendenti e coerenti caratteristiche femminili.
L'artista può mostrare l'interno dei propri modelli, utilizzando l'espressione, che può essere letta in ogni riga lasciata a macchia o colore.
Sospesi da qualche parte tra astrazione e percezione caotica, il tatto, lo sguardo e le caratteristiche individuali della valutazione concreta e inequivocabile della fuga.